Obrigado a todos aqueles que visitaram este despretensioso espaço.

consta-se que estas imagens já têm alguns meses (e mesmo assim, têm um aspecto fantástico)…

Do outro lado, uma voz, ameaçada pelo timbre grave, sussurra: “They say hope begins in the dark, but most just flail around in the blackness. Searching for their destiny… The darkness for me is where I shine”.

Riddick levanta-se e, à sua frente, o oceano também…

Sem tempo para grandes introduções, “The Chronicles of Riddick: Assault on dark Athena” dá, desde logo, a conhecer um aprimorado cuidado na caracterização e nas performances vocais dos actores. Dois aspectos que se sobressaem facilmente no First-Person-Shooter (FPS – 1ª pessoa). Convincentemente, as animações faciais carregam emoções e a sincronização dos lábios adequa-se às boas performances vocais. Os actores estão de parabéns por darem uma extrema sensação de vida às personagens. De todos os actores, talvez Vin Diesel, como Riddick, seja o que apresenta um trabalho menos imerso, e o facto da sua personagem ter trejeitos frios não serve de desculpa. Irónico pensar que isto acontece no jogo em que o actor nova-iorquino é o protagonista-mor.

De salientar que esta não é a primeira vez que o actor Vin Diesel encarna Riddick, já o havia feito nos filmes “Pitch Black” e “The Chronicles of Riddick”. Dentro dos videojogos, “Escape from Butcher Bay” havia dado a conhecer, em 2004, a série de ficção científica aos jogadores de Xbox. Assault on Dark Athena apresenta, para além de uma remasterização de Escape from Butcher Bay (prequela aos filmes que vem incluída no jogo), uma expansão, com cerca de oito horas de duração, atenta às melhorias técnicas das novas consolas. A história de Assault on dark Athena prossegue os acontecimentos de Escape from Butcher Bay. A nave que transporta Riddick foi capturada pela gigantesca nave espacial, onde decorre grande parte da acção e que também dá nome ao título: Dark Athena. Como temido serial killer, Riddick aproveita a obscuridade para se resguardar. Por entre os inúmeros corredores, onde a escuridão reina, Riddick terá do seu lado a capacidade de ver no escuro como a principal aliada (ganha em Butcher Bay) para fugir da nave, assassinar malfeitores e libertar outros reféns. Parece mais um dia na agitada vida de Riddick, não?

No fundo, sabemos que a história é apenas um motivo para Riddick voltar a atacar furtivamente. Durante as primeiras horas de jogo, Assault on Dark Athena foca-se na acção corpo-a-corpo, oferecendo ambientes em tons sombrios propícios para Riddick surpreender, qual Sam Fisher, os inimigos. Estes são, na maior parte do tempo, drones. Lentos, não obrigam o jogador a ter grande atenção com os tempos de ataque. Mas para compensar, possuem machine guns incorporadas nos braços que podem ser usadas por…Riddick. Uma vez aniquilados, Riddick pode servir-se das armas dos drones. Uma das poucas boas adicções no armamento. Talvez a arma SCAR seja a excepção à regra. A arma SCAR permite atirar explosivos que só detonam na presença de alguma personagem próxima.

Assault on dark Athena privilegia os momentos furtivos. Os mais impacientes poderão ficar desagradados com a opção da produtora Starbreeze. O ritmo de acção é lento e obrigado o jogador a usar a escuridão a seu favor. O jogador pensa no próximo caminho a seguir, e se este estiver a ser vigiado por algum inimigo, o jogador deve colocar-se atrás dele e aí sim os vários ataques fatais de Riddick convidam a momentos de acção mais brutais. Basta um movimento para vermos o inimigo agarrado ao pescoço ensanguentado. Os combates corpo-a-corpo encorajam o jogador. O mesmo não pode ser dito dos momentos de tiroteio. Nada satisfatórios, porque não há um verdadeiro sentido de termos atirado. A fraca detecção de colisão, já não para não falar na ausência de danos localizados, assume as culpas de tal sensação. Outro aspecto frustrante do jogo reside na precisão sobre-humana dos inimigos. Mais para a frente, é quase impossível escapar ileso dos tiroteios. Agora imaginem o transtorno que isto não causa quando estamos cercados por três ou quatro inimigos?!

O cenário fica ainda mais negro (sim!), com a parca presença de utensílios para revitalizar Riddick de todos estes ataques. Nada como a antiquada sensação de voltar a percorrer os mesmos cenários (backtracking)…

Como já devem ter percebido, à medida que progredimos no jogo, as acções de shooter sobrepõem-se às de stealth. Riddick sai das sombras para encarar um fórmula mais similar aos adeptos de FPS´s. Algo que acaba por não lhe favorecer, pois cai na tentação de se tornar banal, algo que não tinha acontecido até então. As acções furtivas e a constante interacção com as personagens não-jogáveis (NPC´s) ajudavam Riddick a escapar dos confins da banalidade…

Assault on dark Athena faz uso do mesmo motor gráfico de The Darkness, não fosse a produtora (Starbreeze) a mesma para os dois títulos. Uma suspeita frase de Riddick, ainda no começo da aventura, lembrou o FPS de 2007 – “Embrace the darkness”.

Visualmente já destaquei as animações faciais e a caracterização, mas os efeitos de luz não deixam ninguém indiferente. Tendo em conta a escuridão que alimenta a aventura, muito se esperava da combinação entre cenários mais iluminados e escuros. Descansem, porque essa característica foi muito bem implementada. Quanto a Escape from Butcher Bay, o visual acusa a idade mesmo depois de uma “limpeza gráfica”.

Aquando do lançamento, Escape from Butcher Bay foi criticado pela falta de suporte multiplayer. A Starbreeze respondeu às críticas dos fãs, introduzindo os já estandardizados modos Deathmatch e Capture the Flag. Para fugir do panorama habitual, temos o modo Pitch Black que se destaca ao deixar um jogador assumir a posição de Riddick e os restantes, bem equipados, no papel de perseguidores. Contudo, os modos multiplayer falham na missão de estender a longevidade do jogo e desviar o jogador do “seu” shooter online.

Para finalizar, adeptos do original poderão sentir-se desiludidos com o fraco impacto desta iteração. Escape from the Butchers Bay, com certeza, merece uma segunda visita, para quem já o jogou, e uma estreia para quem não conhecia o original que afastou qualquer estigma relacionado com as adaptações cinematográficas. The Chronicles of Riddick: Assault on dark Athena comporta-se como o original. Combina os momentos de furtividade com outros, menos satisfatórios, de acção pura e dura. Inglório esforço para fazer este título sobressair das sombras.

Na introdução de Assault on dark Athena, Riddick levanta-se e admira o imenso mar à sua frente, desconhecendo que o seu destino está mais perto do que julga… The Chronicles of Riddick: Assault on Dark Athena é apenas uma gota e é como se aquele mar, repleto de ondas mais fortes, o tivesse engolido…

Gráficos-» 8
Jogabilidade-» 7,5
Som-» 8,5
Longevidade-» 7

Total-» 7,5

Nuno Pinho.

- Quando é que o Jonathan considerou o seguinte pensamento: “Quero fazer um videojogo baseado na Divina Comédia”?

Aconteceu muito cedo na minha pesquisa. Eu tinha a ideia firme de criar um jogo que tivesse o inferno como pano de fundo – o “original” inferno – e comecei a procurar informação sobre isso, sendo que a Divina Comédia acabou por ser a fonte de inspiração mais óbvia. Mas à medida que ia lendo o poema, percebi que o autor (Dante Alighieri) percepcionou o inferno, sobre como seria ou quem lá estaria, para além do que qualquer outra pessoa jamais imaginou. A partir daí, ficou claro para mim que queria adaptar o seu grande poema da melhor forma possível. A imaginação de Dante era tão espectacular e fabulosa que eu e a minha equipa queríamos dar a conhecer o seu génio aos jogadores.

- E como planeou transformar um poema do século 14 num título de acção?

O primeiro ponto passava por ser fiel às descrições visuais e geográficas que Dante e Virgil experimentaram no poema. O autor traçou cautelosamente o inferno…os rios, as torres, as florestas, as falésias, os picos, etc… Era importante mantermo-nos razoavelmente fiéis ao ambiente imaginado, por isso reunimos alguns dos melhores artistas do mundo para trabalhar com a finalidade de transpor e interpretar todas as descrições para o campo visual do jogo. Numa segunda fase preocupámo-nos em importar a maioria das personagens da obra, particularmente os protagonistas, monstros e todo o ambiente amaldiçoado que é narrado no poema. Por último, veio a história. Sabíamos de antemão que havia ajustes a fazer para a história realizar num jogo de acção. Tínhamo-nos que afastar um pouco da obra de Dante porque não há muita acção ou drama suficiente no poema. Então, focámo-nos na jornada de Dante e Beatrice, uma história que os jogadores vão por certo gostar.
- Qual é o ponto fulcral de Dante´s Inferno?

É um jogo de acção, logo o ponto fulcral será o combate. Sem qualquer dúvida, queríamos fazer de Dante´s Inferno um jogo incrivelmente divertido de se jogar. Investimos uma quantidade grande de talento e energia no sistema de combate de forma a torná-lo rápido, intuitivo, completo, cheio de habilidades, movimentos e upgrades. Em torno desse ponto, gradualmente desenvolvemos características refrescantes, como controlar um gigante demoníaco, e estamos a idealizar toda a jogabilidade num épico a ter lugar nos nove círculos do inferno em que cada um se apresenta único à sua maneira. Para terminar, conciliamos a fascinante envolvência mitológica numa história de cortar a respiração, temos a narração de Virgil, a acção cinemática a ocorrer em grandes combates com Bosses, uma banda-sonora épica a ajudar a estabelecer os parâmetros infernais, e muito mais aspectos que me levam a considerar ter em mãos uma experiência poderosa e realmente especial.

- O poema é bastante ilustrativo. Encararam a fonte como uma restrição ou antes como um ponto que fizesse expandir a vossa imaginação?

O material da fonte definiu fortemente a forma do jogo. Não penso que fossemos capazes de transpor tudo o que Dante descreveu no poema, mas não vejo isso como uma restrição. Claro que existem alguns círculos do inferno que são mais descritos do que outros, e nesses casos preenchemos alguns espaços, tendo a certeza que cada círculo tem algo de especial para oferecer.

- A Divina Comédia concentra-se nos horrores que acontecem nos nove círculos do inferno. Pode-nos adiantar se estão previstas grandes batalhas com Bosses a representar cada círculo?

Não queremos ser muito explícitos sobre os acontecimentos do jogo, mas podem esperar um satisfatório alinhamento de personagens e bosses em cada um dos nove círculos.

- Muitas pessoas comparam Dante´s Inferno a God of War. A seu ver, faz sentido essa comparação? E sabendo que God of War 3 também se encontra em desenvolvimento, pode-se encará-lo como competição a Dante´s Inferno?

Sentimo-nos extremamente lisonjeados com a comparação, porque obviamente também somos grandes fãs da série, entre outras como Devil May Cry, Street Fighter, Ninja Gaiden, Gears of War, etc… Estamos a dar o nosso melhor para criar um jogo verdadeiramente divertido e especial. Só esperamos que os fãs gostem do que estamos a fazer.

- A Divina Comédia lida com fortes conceitos religiosos. Está preparado para uma eventual manifestação por parte da igreja?

Não temos tido muitos problemas em relação a isso. O poema é uma explícita obra de ficção, uma fantasiosa história de amor sobre a viagem de um homem pelo que acredita existir para além da vida. A obra tem 700 anos e está praticamente disponível em todas as livrarias por esse mundo fora. O nosso objectivo é reimaginar a literatura tal como ela é.

- Sabendo que o jogo cobre a primeira parte do poema, Inferno, e a Divina Comédia está repartida em três partes, com o Purgatório e Paraíso a preencher os restantes vértices, tem sequelas em mente? Existem planos para criar uma trilogia?

Neste momento, não existe nada de concreto para o Purgatório. Eu penso que para uma equipa de produção criar uma sequela, primeiro tem de conquistar esse direito, e é aí que estamos focados.

- Criar uma nova marca (IP) com o actual ambiente económico pode ser encarada como uma jogada arriscada?

Sim e não. Os jogadores estão sempre à procura de algo novo e refrescante. A indústria dos videojogos é dinâmica com excitantes produtos a surgir constantemente no mercado. Penso que uma editora tem que assumir o risco como parte do seu portefólio. O que eu gosto em Dante´s Inferno é que é uma experiência única num acessível e familiar género. Embora não seja uma sequela, tem uma história mitológica reconhecível e é fácil de se jogar e obter divertimento. Então, penso que Dante´s Inferno reúne fortes condições para sair bem sucedido.

- Está a trabalhar com a equipa de Dead Space. Que conhecimentos adquiridos em Dead Space têm sido importados para o desenvolvimento de Dante´s Inferno?

É verdade que a equipa de Dead Space está a trabalhar em Dante´s Inferno. Partilhamos recursos humanos, tecnologia e temos uma liderança comum. Também é verdade que Dante´s Inferno partilha o mesmo sentimento de responsabilidade com a qualidade e polimento artístico que fez de Dead Space um grande jogo.
- Existem planos para uma sequela de Dead Space?

Nada que eu posso adiantar nessa matéria… mas estou certo que eu jogaria esse jogo!

- Quando é que podemos encontrar Dante´s Inferno nas lojas?

Ainda não temos agendada uma data definitiva. Esperamos que esteja pronto algures em 2010.
Obrigado pelo interesse demonstrado no jogo!

Nuno Pinho.

O hospital psiquiátrico de Arkham serve de partida à nova aventura de Batman nas consolas. Joker, o arqui-rival de Batman, voltou a atacar Gotham. Batman, chamado a intervir, intercepta-o facilmente. A rendição do vilão, sem grandes problemas aparentes, deixa suspeitas. Depois de o levar para o asilo de Arkham, instituição mental onde se encontram os mais perturbados vilões de Batman, Joker mostra que tudo, afinal, não passava de uma armadilha bem orquestrada. O anárquico vilão solta-se e prepara-se para dar uma mãozinha aos seus congéneres de causa. A Batman cabe a tarefa de restituir a ordem e evitar que hajam perdas humanas, como médicos ou enfermeiros, apanhadas desprevenidamente no meio do fogo cruzado.
Assim está dado o mote para a primeira passagem de Batman, em nome próprio, pela nova geração de jogos. Um dos primeiros aspectos a saltar à vista é que a produtora Rocksteady Studios decidiu não dar seguimento ao tom sério e verosímil dos filmes assinados por Christopher Nolan, nomeadamente The Dark Knight, que se assumiu como um fenómeno da cultura popular. A equipa concentrou-se antes no legado de 70 anos da personagem no mundo da banda desenhada. A história de Arkham Asylum, entregue a Paul Dini, guionista da série Batman: The Animated Series e Batman Beyond, deixam antever vários momentos de qualidade.
Batman Arkham Asylum é uma aventura com a perspectiva na 3ª pessoa, por cima do ombro, em que assumimos Batman em mais uma luta contra o crime. Na busca por Joker, passaremos pelas grandes e lúgubres instalações de Arkham. Inevitavelmente pisaremos as solitárias alas prisionais, as inevitáveis alas médicas, onde se realizam os tratamentos, ou os grandes corredores onde os “pacientes” se focam num único objectivo: aniquilar Batman, a grande ameaça para a liberdade caótica que pretendem espalhar para além das grades de Arkham. Apesar de ter sido apanhado de surpresa, Batman tem sempre alguns truques na manga. Para além da força física, de notar que o nosso herói voltou ao aspecto “esteróidizado”, ainda guarda uma panóplia de gadgets multifunções. O sistema de combate oferece ataques mais físicos, sendo que os básicos ataques (X na 360 e Círculo na PS3) como pontapés, murros, cotoveladas, cabeçadas e bloqueios ou contra-ataques com a capa (Y na 360 e Triângulo na PS3) podem ser complementados com os movimentos especiais (combos ou grapple). Os combates ganham maior profundidade com o sistema de evolução de habilidades. Cada vez que um inimigo é derrotado, Batman adquire pontos de experiência, já rudimentares nos RPG´s, que podem ser gastos na actualização de ataques ou armas.

Dos gadgets, o infinito batarang poderá ser dos mais úteis para evitar confrontos físicos. O mecanismo é semelhante ao utilizado por Dark Sector. O batarang, não é mais do que um boomerang personalizado, pode ser atirado com a mira fixa (auto-lock) ou desprendido de mira com a câmara a mostrar-nos o seu movimento. O gel aerossol explosivo pode ser colocado nas paredes para abrir caminhos anteriormente tapados.

Habituado a caminhar por entre as sombras (predator mode), Batman surpreende os inimigos pelas costas e silenciosamente tira-os do cenário, deixando o medo espalhado nos restantes. A pistola com gancho poderá ser engatada nas estátuas ou plataformas elevadas para ajudar Batman a alcançar pontos elevados do cenário. O lado mais investigativo de Batman (investigation mode) faz-se notar com o uso de uma visão que mistura raios X e raios infravermelhos. Esta característica permite a descoberta de caminhos alternativos, pistas, pontos débeis do cenário ou informações sobre os inimigos como saber, através das paredes, se estão ou não armados.
As possibilidades enumeradas acima acontecem no decorrer da aventura. À chamada não faltaram os conhecidos vilões Bane, Killer Croc, que é dos primeiros a mostrar-se, Harley Quinn, Mr. Freeze, Scarecrow, Mr. Victor Zsasz, ou, como é evidente, Joker, entre tantos outros. A produtora Rocksteady promete novas abordagens para derrotar cada vilão.

A inteligência artificial promete estar bem apurada. A título de exemplo, se quebrarmos um ventilador, os inimigos irão acercar-se do sucedido em grupo. Esperam-se, portanto, confrontos numerosos.

Arkham Asylum mostra-se perante o esplendor gráfico do motor Unreal 3.0, usado em Gears of War 2 ou no recente 50 Cent: Blood on the Sand. O motor de jogo oferece cenários com bastantes detalhes, personagens bem animadas e modeladas apesar de estarem excessivamente corpulentas, boa adequação às leis da física e grande equilíbrio nos efeitos de iluminação. O desenho e ambiente do jogo partiram do pincel da Wildstorm Studios, propriedade de Jim Lee, o homem que revolucionou o mundo da banda desenhada na década de 90.
As vozes de Batman e Joker estarão na destreza timbrada de Kevin Conroy e Mark Hammill respectivamente. Dentro do apartado sonoro é esperada uma banda sonora densa, capaz de transmitir a atmosfera negra do jogo.

Batman Arkham Asylum deixa boas indicações. Efectivamente dirige-se a quem acompanha as aventuras do Homem-morcego na banda desenhada e não tanto à nova vaga de fãs dos filmes. “Será o melhor jogo a explorar o universo de Batman” acredita a editora Warner Bros Interactive. Veremos. A herança também não é muito forte… Procurem pelo bat-sinal no final de Agosto.

Nível de expectativa: 4/5

Nuno Pinho.

“Que idade tem?

15 anos? Pode entrar, mas garanto-lhe que se tivesse menos de 15 anos, era capaz de ficar convencido com a experiência que se segue.”

Este poderia ser o aviso dado pelo General W.R. Monger na introdução do jogo, baseado no filme de animação da DreamWorks, Monsters Vs Aliens. O filme teve a estreia, em fim-de-semana, mais rentável do ano para os lados de Hollywood, e pode ser visto, com óculos 3D, nos cinemas portugueses já a partir de amanhã (dia 2 de Abril).

A premissa não apresenta nada que já não se tenha visto anteriormente. Os aliens estão a atacar o planeta Terra e os monstros, aqui como bons da fita, tentam evitar uma eminente destruição. É um tema que se apresenta gasto, sobretudo nos meandros da ficção científica. Contudo, as vozes famosas e a animação em 3D, podem garantir umas quantas visitas aos cinemas.

Como devem imaginar, à hora que escrevo esta análise, não tive oportunidade de ver o filme e tenho de partir do pressuposto que o jogo pega nas cenas que fizeram furor no grande ecrã. A batalha dos monstros, até então escondidos da sociedade pela administração americana, com a armada alienígena toma proporções gigantescas. O jogo reúne as invulgares tropas e deixa-as ao dispor do jogador.

Elo Perdido (The Missing Link), espécie que ficou perdida na improvável fronteira entre se tornar um macaco ou um peixe. Ginórmica, outrora chamada de Susan Murphy, que, depois de ter sido atingida por um meteoro viscoso, passou a ter mais 14 metros e 28 centímetros!

O gelatinoso B.O.B., pronto a deixar um rasto viscoso por onde passa. Insectosaurus, a larva gigante que sempre que grita, faz, literalmente, tremer paredes. E, por fim, o brilhante professor Dr. Barata (Cockroach) que pode ser encarnado por um segundo jogador a qualquer momento.

O design dos níveis teve em conta as particularidades apresentadas por cada personagem que compõe a equipa de heróis improváveis. Ginórmica dá mais velocidade ao jogo sempre que recorre a carros com a finalidade de patins de rodas. Tudo funciona de modo bastante linear e com o jogador a pôr à prova os seus reflexos. Linear é, de resto, a palavra correcta para descrever a estrutura dos níveis de Monsters vs Aliens. Pelas estradas de San Francisco, procuramos fugir dos obstáculos, evitar as quebras no asfalto e até fazer autênticas provas de equilíbrio, ao melhor jeito de Tony Hawk, nos rails que sobrevivem à destruição promovida pelos robots alienígenas.

Devo dizer que, apesar de Ginórmica ser uma mulher gigante, os níveis não conseguiram captar essa sensação de grandeza. É estranho ver que a cidade se agiganta com a presença da Ginórmica. À nossa volta, parece que temos planícies, estradas, edifícios e pontes em tamanho ampliado.

Por sua vez, B.O.B. apresenta alguns dos momentos mais interessantes do jogo. Em boa parte deve-se aos seus poderes peculiares. Se não me falha a memória, esta foi a primeira vez que comandei uma personagem gelatinosa com a capacidade de engolir e cuspir objectos, colar-se a paredes, passar através de portões e até atirar para a atmosfera uns barulhos estranhos. B.O.B., dada a sua forma, pode rastejar de cabeça para o chão. Esta personagem pode engolir, se for caso disso, soldados inimigos. O mais engraçado é que os vemos dentro de B.O.B., uma vez que esta personagem é transparente.

Elo Perdido (The Missing Link) apresenta os níveis que mais se aproximam de um típico jogo de acção de plataformas. A força bruta e agilidade permitem a esta personagem roubar alguns maneirismos de Kratos. Os quick-time-events e as sequências finais, são, no entanto, uma pálida imagem da presumível fonte de inspiração.
Sobre as restantes personagens, Insectosaurus e Dr. Barata (Cockroach) não se pode dizer que foram tão bem implementados e chegam a dar ideia que estão apenas a preencher vagas. Insectosaurus, monstro não jogável, assemelha-se a uma versão desmiolada de Godzilla que apenas dá um ar de sua graça nas sequências animadas. O Dr.Barata tem a função de orientar da missão e é representado por um mero laser. O Dr.Barata está sempre disponível para dar conselhos, mas não é um apelo justificável para o segundo jogador se alistar no combate.

Se o início, auxiliado por várias janelas tutoriais, ainda se apresenta como uma experiência variada e refrescante, não tarda muito até sentirmos fastio ao longo dos quatro capítulos. Depois do factor surpresa, a jogabilidade resume-se a baralhar e dar de novo. Monsters vs Aliens alonga-se por cerca de oito horas e traz consigo mais de 20 missões no modo “Story”. As moléculas de ADN espalhadas pelo jogo, juntamente com os mais de 30 mini-jogos (sobretudo time trials) permitem desbloquear arte conceptual, comentários áudio, fotografias do filme e upgrades nas armas dos monstros. Cabe a cada um dizer se valerá a pena completar tudo no jogo, o que implica repetições, para desbloquear os extras.

O visual representa bem o filme que, de certa forma, homenageia a estética dos filmes de ficção científica dos anos 50 ou 60. Contudo não esperam animações CGI extraídas do filme, pois as sequências de animação utilizam o mesmo motor gráfico do jogo. E embora tudo se possa resumir à mediania, as coisas mudam de figura, ao longo do jogo, para melhor. Só percebemos tal quando entramos na nave-base da armada de Gallaxhar.

As vozes estão entregues a alguns actores ligados ao filme. Seth Rogen como B.O.B., Reese Witherspoon como Ginórmica e Will Arnett como Elo Perdido. Infelizmente, a versão videojogável do Dr.Barata não teve o contributo vocal de Hugh “Dr. House” Laurie. No capítulo sonoro cumpre com o tipo de sons que se imaginavam tendo em conta a temática explorada. Os barulhos dos robots e os pequenos efeitos pintam bem a atmosfera digna de um filme de ficção científica.

Monsters vs Aliens é um título com argumentos suficientes para acertar em cheio nos públicos mais jovens. Os trejeitos e maneirismos de cada herói monstruoso, marcam presença. Este jogo de acção e plataformas pode ser o aperitivo perfeito para todos aqueles que aguardam com ansiedade pelo filme. Não salva o dia, mas entretém.

Gráficos: 6
Jogabilidade: 6,5
Som: 7
Duração: 6

Total: 6,5

Nuno Pinho.

Adaptações de licenças cinematográficas aos parâmetros dos videojogos…
Anos a fio de experiências pouco satisfatórias, deixaram até os fãs mais acérrimos cobertos de cepticismo na hora de encarar a adaptação. Contudo, conforme já foi dito na antevisão, a produtora Raven Software estava apostada em desenvolver um trabalho que não merecia a apatia como resultado. A equipa de produção, fã de Wolverine, prometeu um jogo de valor. Estaremos finalmente na presença de uma adaptação de valor? A resposta está guardada para o final da análise…
Comecemos por uma breve apresentação, X-Men Origins: Wolverine é um jogo de acção, na 3ª pessoa, adaptado do homónimo filme que, por sua vez, é baseado no universo de uma das mais carismáticas personagens da banda desenhada: Wolverine. A aventura, inspirada numa fase emocionalmente complicada de Wolverine, desencadeia violência a rodos e serve-a, às postas, de bandeja. Razões tinham os produtores quando disseram que algumas cenas de acção exploravam ao máximo a ferocidade do herói. Ainda a conhecer-se, Wolverine não teme ou treme na hora de mostrar as afiadas garras de adamantium. A violência alimenta a aventura, e estou certo que deixaria Wolverine, o do filme para maiores de 13 anos, de boca aberta. Sim, ao contrário do filme que não abusa da brutalidade, a Raven Software fá-lo, várias vezes, deixando perceber que não há qualquer remorso por tomar esse caminho. Logan, mais conhecido por Wolverine, apresenta-se num estado selvático tal, que as suas garras oferecem alguns dos ataques mais brutais vistos nos ecrãs. Alguns movimentos finais passam por desmembrar soldados, apunhalar inimigos nas partes baixas, degolar cabeças, dividir um inimigo em três partes com as aclamadas garras, forçar a quebra de ossos, ou espetar as garras no abdómen do inimigo e de seguida atirá-lo para fora de combate. Os cenários também oferecem algumas cortesias ao herói da Marvel. Dificilmente passam despercebidos ao jogador, aliás, os pontos de interacção do cenário perdem alguma consistência por se apresentarem como uma arma bastante gratuita. Torna-se óbvio que uma estaca, saída do solo, se encontra ali propositadamente para coçar as costas do inimigo.
O melhor de tudo isto é que as acções viscerais de Wolverine são muito simples de executar. Basta uma pequena familiaridade com os comandos para se começar a sujar de sangue as brilhantes garras de Wolverine. Ataques leves, fortes, bloqueios e saltos (lunge) estão reservados a cada um dos quatro botões principais. O uso pode ser feito de modo mais metódico, com o jogador a combinar acções que aprende ao longo da aventura, ou com o velhinho, mas ainda assim eficaz, matraqueamento de botões. Em meros minutos, Logan esvazia uma sala cheia de inimigos. O nosso herói consegue ainda aceder a ataques mais poderosos quando a barra de Rage (raiva) se encontra completa. A gestão deste curto e devastador período de tempo é importante para garantir maior dano nos adversários. Wolverine passa a dispor de quatro ataques especiais. Aconselha-se que não o incomodem nestas alturas de maior descontrolo. Voltar a casa com uns arranhões já deixou muito boa gente a viver só.

X-Men Origins Wolverine aposta em processos simples, mas que funcionam bem. Algo que já tínhamos visto noutros jogos de acção: elementos de progressão característicos dos jogos RPG. Ao eliminar inimigos, somamos pontos de experiência que podem ser gastos para melhorar a resistência, a força dos seus golpes ou até os ataques especiais de raiva enquadrados num certo estilo de estratégia.
O mesmo serve para nos referirmos a outra habilidade de Wolverine: o salto que pretende ser um voo mortal (lunge). Quando os inimigos estão demasiado distantes para serem agraciados com o excelente combate próximo, Wolverine pode aproximar-se destes com o movimento “lunge”. Ainda durante o voo, se o jogador aceder ao botão de ataque acontece uma transição suave para um movimento insano que deixa o inimigo imediatamente prostrado. São os movimentos fatais que derrotam um inimigo num único movimento (quick kill) e podem ser accionados quando as garras de Wolverine brilham intensamente.

X-Men Origins: Wolverine ao dar ao jogador uma personagem poderosa, faz aquilo que se espera de um videojogo sobre super-heróis. Durante a aventura, os poderes de Wolverine não encontram rival à altura. A capacidade de regeneração permite que o jogador veja os danos causados e a consequente recuperação em tempo real. O corpo de Wolverine foi modelado em três camadas: pele, tecidos e estrutura óssea em adamantium. Uma carta flamejante atirada por Gambit, descobre, na zona afectada, o esqueleto em adamantium de Wolverine. Segue-se a recuperação, em tempo real, com a pele e tecidos a cobrirem as marcas de guerra. Existem duas barras de vitalidade. A primeira corresponde aos danos causados no aspecto exterior de Wolverine e a segunda aos danos causados nos órgãos vitais que é determinante para a queda do herói. Se a primeira, que é uma espécie de armadura, for afectada, a segunda expõe momentaneamente a fragilidade do herói. Dado curioso, as calças do herói permanecem sempre intactas, mas se a camisola for queimada durante os combates, não mais voltará a revestir o herói.
A capacidade de regeneração foi uma importante adicção. No entanto, o sistema de regeneração em tempo real não apresenta o entusiasmo esperado. Os tecidos de Wolverine, quando expostos, roçam o irrealismo por se parecem demasiado gelatinosos. Mesmo a pele, quando cobre os tecidos, mais se assemelha a uma camada plastificada.
Ora se a tal característica regeneradora juntarmos a fúria descontrolada e os instintos ferozes, temos em mãos, apesar dos 3 níveis de dificuldades (hard escondido inicialmente), um herói praticamente indestrutível. Os bosses não chegam a ser verdadeiras ameaças à vitalidade do herói. É desapontante ver que os combates com bosses, normalmente arrastados, são bastante mecânicos e parcos em intensidade. W.E.N.D.I.G.O. ou Sentinela requerem apenas uma boa dose de paciência e não propriamente astúcia. É que para derrotar estes dois canastrões, que aparecem ao longo do jogo, basta atacá-los impiedosamente pelas costas. E o combate, devo dizer, deixa uma sensação amarga. Para além da câmara, em certas partes do combate, querer ser protagonista, não há um real sentido de dano infligido no gigante.
A jogabilidade é intercalada por alguns puzzles e exploração. As secções de puzzles variam entre os mais estandardizados, em que na maior parte das vezes temos de mover objectos, ou puzzles que exploram as características de Wolverine, bem mais interessantes que os primeiros. Em caso de dúvida, o jogador pode accionar “feral senses” (sentidos animalescos) que ajudam Wolverine a navegar pelo cenário ou a resolver um puzzle. Objectos chave aparecem sobressaídos, com a tonalidade avermelhada em caso de perigosos, ou em tons verde, na medida de poderem ser úteis. Os “feral senses” podem também indicar o caminho a seguir, para que o jogador nunca fique bloqueado.

A divisão entre secções de combate e exploração não se apresenta aqui tão bem sucedida como noutros jogos de acção. Tomando God of War e Devil May Cry como exemplo, essas séries conseguiam combinar frenéticos combates e épicos bosses, com momentos mais calmos de exploração ou resolução de puzzles. Ainda que o jogador inconscientemente estivesse a repetir os mesmos processos, havia efectivamente a sensação do jogador estar a fazer algo de novo. Assim chegamos ao que provavelmente é o maior problema de X-Men Origins: Wolverine: naquilo que faz bem, podia fazer bem melhor. Durante as 8 a 10 horas de aventura, fica claro que a experiência não resiste ao teste do tempo e torna-se repetitiva. Depois de poucas horas de jogo, percebemos que a capacidade de surpreender escasseia e que os níveis apresentam-se como arenas cobertas com fraca variedade de carne para Wolverine desdenhar.
Já na história, a Raven percebeu que era importante variar, porque o jogo salta entre duas histórias. Uma, naturalmente, baseada nos acontecimentos do filme, em que Wolverine procura vingança junto dos responsáveis pelas experiências científicas que lhe revestiram o esqueleto em adamantium. A outra, apresentada em jeito de flashback, coloca Logan numa missão militar em África a cooperar com Victor Creed, o eterno arqui-inimigo também conhecido por Sabretooth. Os saltos da narrativa no tempo apresentam pouca coerência, maior ainda para quem não viu o filme, e deixam algumas perguntas por responder. O jogador nunca recebe a tempo uma explicação pela forma como aconteceu a colaboração com Victor Creed ou a forma como esta termina. Só a meio do percurso, é que surgem pistas sobre as razões que levam Wolverine a chacinar soldados atrás de soldados, o motivo pelo qual os membros da Equipa X atacam Wolverine ou a relação pouco esclarecedora de Wolverine com o Coronel William Stryker. A forma como ocorre a introdução de novas personagens na aventura, ou mesmo quando saem de cena, deixam espaços que nem a acção devastadoramente visceral consegue preencher.
Do visual, a correr no motor de jogo Unreal 3, pode-se dizer que está bem conseguido. Alguns cenários são percorridos, de modo linear, mais do que uma vez, o que denota alguma falta de variedade. A caracterização oferece autenticidade. Hugh Jackman, enquanto Wolverine, está tremendo. E nem sempre podemos dizer isto, recordo-me da recente e desastrosa recriação digital de Robert Downey Jr. na adaptação de Iron Man. Os movimentos de Wolverine foram capturados em grande estilo graças a um soberbo trabalho de animação. O bom sistema de iluminação aclara, aqui ou ali, alguma falta de polimento, alguns slowdowns encravam a velocidade da acção, mas no geral, o resultado é agradável e positivo, fazendo de X-men Origins: Wolverine um dos melhores jogos de super-heróis no capítulo visual.
A nível sonoro, não há nada de particularmente marcante. Os sons de fundo cumprem sem elevar exigências. No entanto, há que dar relevância às performances dos actores que estão irrepreensíveis. Hugh Jackman e Liev Schreiber acentuam a ideia de serem dois grandes actores, mas mesmo a agonia dos desconhecidos civis está realista ao ponto de fazer o jogador reflectir num acto mais violento.
A campanha alonga-se por cerca de dez horas e deixa poucos pretextos para uma nova visita, para além de ser jogada na dificuldade mais elevada ou de Wolverine estrear um novo fato, mediante as recolhas de troféus espalhados pelo jogo.

Para terminar, X-Men Origins: Wolverine Uncaged Edition marca precedentes nos parâmetros da violência. Alguma desta surpreende nas primeiras horas de jogo, mas não escapa à tentação de seguir pela direcção do lugar comum. Não chega, contudo, para beliscar o mérito de ser uma das poucas adaptações cinematográficas de valor. Podem afastar os receios. X-Men Origins: Wolverine, mesmo com algumas falhas que acreditamos deverem-se à preocupação da data de lançamento coincidir com a do filme, afasta alguns preconceitos e diverte qual blocbuster de cinema. Wolverine não é nenhum portento técnico, mas oferece entretenimento que não vão querer parar até verem os créditos finais.

“Análise num minuto”:

- Toneladas de litros de sangue equivalentes às doses de entretenimento. Um dos títulos mais violentos de que há memória.

- Embora não se transcenda em nenhum capítulo, não afasta a ideia de ser das poucas adaptações cinematográficas capazes.

- Jogo aconselhado mais aos fãs da icónica personagem de banda desenhada, aos restantes está garantida uma aventura que cumpre, sem evitar alguma repetição, que se deve em grande parte à má gestão de secções de puzzles (desinspirados) e combate (bom).

Gráficos: 7
Jogabilidade: 8
Som: 6,5
Longevidade: 6

Total: 7,5

Nuno Pinho.

Stalin vs Martians.

“Sony is bringing one of their own properties to life (via lots and lots of CGI, no doubt), namely SHADOW OF THE COLOSSUS.

The popular Playstation 2 game (no relation to Marvel’s metallic mutant) was set in a mythical world and involved a warrior engaging in combat with a series of gargantuan and occasionally infuriating boss creatures.

The script is being written by Justin Marks, the apparent sole survivor of Screenwriter Thunderdome judging by the fact that he’s now doing almost every big project based on a property (including but not limited to 20,000 LEAGUES BENEATH THE SEA, HE-MAN, HACK/SLASH, VOLTRON, SUICIDE SQUAD, GREEN ARROW: SUPERMAX and the best-forgotten STREET FIGHTER: THE LEGEND OF CHUN-LI).”

in JoBlo

The idea for the game, called Six Days in Fallujah (The Times spells the name of the city differently), came from U.S. Marines who returned from the battle with video, photos and diaries of their experiences. Instead of dialing up Steven Spielberg to make a movie version of their stories, they turned to Atomic Games, a company in Raleigh, N.C., that makes combat simulation software for the military….

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